Em 1974, Florence Ludins-Katz e Elias Katz – ela uma artista, ele um psicólogo – transformaram a garagem da sua casa em Berkeley num estúdio de arte para adultos com deficiências de desenvolvimento. Naquela época, em toda a Califórnia, pessoas com diversas deficiências estavam sendo desinstitucionalizadas, com poucas provisões feitas para elas após sua libertação. Os Katzes viam o fazer artístico como um caminho não só para a realização pessoal das pessoas com deficiência, mas também para a sua integração numa sociedade que valorizava o seu trabalho.

Meio século depois, o Creative Growth – como foi nomeado o estúdio iconoclasta e influente de Oakland – está comemorando seu 50º aniversário com uma exposição, “Crescimento criativo: a casa que a arte construiu” no Museu de Arte Moderna de São Francisco.

A exposição baseia-se na aquisição de meio milhão de dólares pela SFMOMA de mais de 100 obras de arte do Crescimento Criativo, a maior compra de qualquer museu americano de obras de artistas com deficiência. O museu adquiriu mais 43 peças de organizações irmãs do Creative Growth na Califórnia, também fundadas pelos Katzes: Creativity Explored em São Francisco e NIAD (Nurturing Independence Through Artistic Development) em Richmond.

Já se foi o tempo em que esse tipo de trabalho seria isolado em coleções de “arte externa” ou arte popular. Na última década, no entanto, tem sido cada vez mais comum ver arte de artistas com deficiência de desenvolvimento integrada, sem alarde contextual, em mostras coletivas ou bienais. Instituições culturais, do Museu de Arte Moderna ao Museu do Brooklyn, adquiriram ocasionalmente exemplos desse tipo de trabalho, embora raramente sejam exibidos, exceto em exposições especiais.

O que está acontecendo no SFMOMA é diferente. A aquisição faz parte de uma parceria com a Creative Growth através da qual o museu, liderado desde 2022 pelo diretor Christopher Bedford, se compromete a introduzir mais arte de pessoas com deficiência de desenvolvimento das três organizações da Bay Area em suas coleções e, consequentemente, no cânone de história da arte modernista.

Tom Eccles, diretor executivo do Centro de Estudos Curatoriais do Bard College, chama a parceria de “sem precedentes”. A historiadora de arte Amanda Cachia — que escreve sobre arte para deficientes — concorda, dizendo: “O cânone como o conhecemos está sendo reorganizado para incorporar as vozes de artistas com deficiência que há muito foram excluídos dessas narrativas. Os museus têm um longo caminho a percorrer no reconhecimento da arte contemporânea para deficientes.”

A parceria com SFMOMA, que começou no final de 2022, é uma conquista marcante para Tom di Maria, que ingressou na Creative Growth como seu diretor executivo em 1999 e levou a organização a se tornar o estúdio de maior sucesso e amplamente reconhecido do gênero nos Estados Unidos. Estados.

A exposição “Crescimento criativo: a casa que a arte construiu” foi inaugurada em 5 de abril, apresentando quase 70 obras de destaque de 11 das centenas de artistas atuais e antigos do centro, ao lado de um mural recém-encomendado no museu pelo aclamado artista de Crescimento Criativo William Scott.

A parceria constitui a quebra dos altos muros da instituição que a Creative Growth tem lutado durante anos. Embora possa assinalar um ponto de viragem para as artes para deficientes, também surge num momento de mudança para a organização, uma vez que di Maria, 65 anos, espera aposentar-se e o seu pessoal decidiu sindicalizar-se.

Em 2019, di Maria tentou se afastar de sua posição como líder do Creative Growth, primeiro compartilhando o cargo de diretor e, posteriormente, assumindo a função de diretor emérito. As novas nomeações não permaneceram em cargos de liderança por muito tempo. A pandemia complicou ainda mais as coisas, interrompendo as operações da Creative Growth. Desde dezembro, quando o diretor executivo, Ginger Shulick Porcella, saiu após 12 meses, di Maria assumiu novamente como diretor executivo interino.

Di Maria me conta que esse tipo de problema de liderança é comum em organizações artísticas sem fins lucrativos, onde diretores de longa data ampliaram as descrições de suas funções à medida que suas organizações cresceram. “Quando eles se afastam”, disse ele em uma entrevista, “você está procurando alguém que será o arrecadador de fundos, o diretor curatorial, o pessoal de RH, o redator da bolsa, tudo em um”.

Sob a liderança de di Maria, o Crescimento Criativo evoluiu de uma forma que o torna quase irreconhecível da organização sem fins lucrativos que ele herdou. Seu orçamento anual aumentou para US$ 3,4 milhões, contra US$ 900 mil em 1999, cerca de um terço do qual é arrecadado com as vendas do trabalho dos artistas. (As vendas de arte totalizavam cerca de US$ 20 mil anuais quando ele ingressou. Quando os artistas vendem seus trabalhos por meio do Creative Growth, a organização recebe uma redução de 50%.)

Di Maria avançou o legado dos Katzes ao pressionar para integrar o trabalho feito pelos artistas do Creative Growth no mundo da arte comercial convencional. Durante seu mandato, obras de arte foram adquiridas por museus, incluindo o Centro Pompidou em Paris, o Tate em Londres e o Museu de Arte Moderna de Nova York. Dois artistas do Creative Growth, Judith Scott e Dan Miller, expuseram na Bienal de Veneza de 2017. Muitos outros tiveram exposições individuais em galerias comerciais respeitadas em todo o mundo.

A venda de obras de arte por pessoas com deficiência, diz di Maria, é uma forma de “conseguir um lugar à mesa”. Os colecionadores adquirem obras muitas vezes baratas e investem na vida dos fabricantes; os revendedores percebem e fazem shows; os preços sobem; os conselhos de museus promovem o trabalho que possuem aos curadores; o trabalho é doado a coleções de museus. Uma vez que a arte esteja dentro do museu, o verdadeiro trabalho pode começar: mudar a forma como o público valoriza e entende a vida dos artistas com deficiência.

Por um lado, a exposição – organizada pelas curadoras do SFMOMA Jenny Gheith e Nancy Lim – apresenta uma história social das artes para deficientes na Bay Area e as iniciativas inovadoras dos Katzes. Esta história é contada através de uma exposição interpretativa bem concebida numa nova galeria chamada “Art in Your Life”, e em casos de coisas efémeras, como cartas de angariação de fundos e anúncios de eventos que enquadram a exposição em termos documentais.

Em outro nível, porém, é uma mostra de arte tão bem-sucedida quanto qualquer outra no museu. A primeira galeria apresenta trabalhos de três figuras proeminentes do Creative Growth e um talento emergente. Dwight Mackintosh, falecido em 1999, foi um dos primeiros artistas da organização a ganhar atenção internacional por seus desenhos. Usando caneta hidrográfica e tinta colorida, ele desenhou grupos de figuras translúcidas, muitas vezes cercadas por uma escrita distinta e intermitentemente legível.

As marcas repetitivas de Mackintosh rimam com as palavras e formas intensamente sobrepostas em desenhos e pinturas de Dan Miller, 62, e em uma escultura de Judith Scott, que morreu em 2005: uma pequena cadeira enrolada com tiras de tecido e barbante, amarrada outros itens, incluindo uma cesta e uma roda de bicicleta. Os significados estão profundamente enterrados nessas obras.

Não confunda tais práticas com arteterapia. Tal como os artistas profissionais que trabalham e retrabalham um conjunto de ideias e motivos, Mackintosh, Miller e Scott passaram décadas a aperfeiçoar linguagens privadas, resultando em obras que incorporam as suas poderosas visões pessoais.

Nessa primeira galeria há também um vídeo impressionante de Susan Janow, 43 anos, sua primeira incursão no meio. Em “Perguntas?” (2018), Janow olha fixamente para a câmera, calado, enquanto lhe são feitas perguntas (em narração, também gravada por Janow), que vão do banal — “Você usa relógio?” – ao existencial – “Você confia nos outros facilmente?” “De quem você sente falta?” “Onde você se vê daqui a 10 anos?” A sua arte revela que a sua vida interior é moldada tanto pela investigação como pela conclusão confiante.

Outro destaque da exposição é uma vivaz pintura abstrata sem título, de 2021, de Joseph Alef, 43 anos, de Berkeley. Em um texto de exposição, Alef explica que o trabalho não figurativo torna “mais fácil liberar todas as emoções”. Estes textos elucidam admiravelmente os processos e abordagens dos artistas, sem revelar a natureza das suas deficiências, o que pode correr o risco de distorcer a interpretação que os espectadores fazem da sua arte.

Se alguns artistas optam por partilhar detalhes das suas vidas através da sua arte, essa é uma prerrogativa deles. Camille Holvoet, 71 anos, que trabalha na Creative Growth desde 2001, faz desenhos alegres, francos e coloridos de suas alegrias, ansiedades e esperanças. Criadas entre 1987 e 1998, as fotos expostas retratam seus medicamentos, seu medo do transporte público, sua experiência de se mudar para uma nova casa coletiva e – de forma pungente, neste contexto – a foto de uma mulher sorridente ao lado de pilhas de dinheiro e cheques: “Ganhando mais dinheiro como um bom artista, sem cortes de SSI e sem pagamento de impostos”.

Normalmente, não estou inclinado a tais obras de arte ilustrativas. Mas as imagens de Holvoet alcançam um dos objetivos mais profundos da exposição e, na verdade, dos fundadores da Creative Growth: ajudar os artistas com deficiência a prosperarem como indivíduos com agência e potencial. Quer um artista utilize o trabalho criativo para narrar a sua história de vida ou para transcender as suas circunstâncias, fazer arte é um ato profundamente assertivo.

Exemplar é o mural encomendado por William Scott “Praise Frisco: Peace and Love in the City”, parte da série “Bay Area Walls” do museu. Ao longo de sua carreira artística, Scott, 59 anos, pintou sua visão de uma São Francisco utópica do futuro, uma cidade que ele chama de “Praise Frisco”, que incorpora elementos rejuvenescidos de seu passado. Em seu mural no SFMOMA, vemos versões jovens e sorridentes de si mesmo e de sua mãe, ao lado de uma representação impecável do conjunto habitacional público Alice Griffith, onde ele cresceu. (Também estão presentes discos voadores verdes, rotulados como “Organizações Saudáveis ​​Amigáveis ​​ao Skyline”.)

Três dias antes da abertura desta exposição triunfante, di Maria recebeu uma carta de membros da equipe da Creative Growth anunciando sua intenção de se sindicalizar. “A formação de um sindicato ajudará a garantir práticas de contratação e remuneração mais equitativas, benefícios padronizados, maiores proteções, condições de trabalho mais seguras e procedimentos aprimorados em termos de transparência e responsabilidade”, dizia.

Di Maria aceitou a sindicalização logo depois, em 11 de abril. Nos últimos anos, funcionários de instituições artísticas em todo o país, desde museus a escolas de arte, têm se sindicalizado. Sam Lefebvre, assessor artístico em tempo parcial e membro do sindicato Creative Growth United, disse-me que a elevada rotatividade, devido a condições de trabalho insustentáveis, pode afectar negativamente os artistas, que podem formar laços estreitos com facilitadores de estúdio, e que muitas vezes respondem melhor rotina e estabilidade.

Neste momento de transição tanto para o Crescimento Criativo quanto para o SFMOMA, todos os olhos estão voltados para o futuro. Os museus de todo o país estão a trabalhar para se conectarem mais profundamente com os seus públicos e, ao incluir e celebrar o trabalho de artistas com deficiência nas suas colecções, reflectirão melhor as vidas e experiências de todos os seus visitantes.

“Uma em cada quatro pessoas nos Estados Unidos identifica-se com deficiência”, disse numa entrevista a académica Jessica Cooley, que escreve sobre artes para deficientes e estudos museológicos. “A arte e os artistas para deficientes já estão por toda parte, em todas as coleções, causando impactos incríveis no mundo da arte.” A parceria do SFMOMA com a Creative Growth pode ser vista apenas como um reconhecimento das contribuições que os artistas com deficiência deram à história da arte.